27 enero 2016
24 enero 2016
¿Qué he visto? Bernarda Alba versión de Severiano García Noda de Delirium Teatro
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| Fuente: http://deliriumteatro.com/obras/bernarda-alba/ |
Llevar a escena La Casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca es siempre un reto porque es una obra que de por sí es complicada, no solo por ser quién es el autor, sino por ser una obra con una fuerza dramática que no hay que perder nunca de vista, porque Lorca la concibió para que el drama, de todas esas mujeres encerradas, se masticara en cada palabra y en cada gesto de las actrices. Otra propuesta teatral que no nos muestre ese infierno, desde mi punto de vista, es que no estamos siendo fieles al texto del autor granadino.
A la versión libre de Severiano García Noda le faltó esa fuerza dramática que pide a gritos el texto de Lorca, que tiene que dejar sin respiración a los espectadores desde que se sube el telón y en ningún momento producir risas entre los espectadores, como ocurrió en muchas ocasiones, porque eso quiere decir que el drama se está yendo por el patio de butacas en busca de una salida y eso, en este texto, no es buena señal.
Al terminar la obra me fui con la sensación de haber asistido a un sainete, a una versión que está años luz de lo que nos quiso transmitir Lorca.
LA PUESTA EN ESCENA
La puesta es sencilla, con cinco o seis sillas y un gran telón blanco en el fondo del escenario a modo de pantalla, en la que se van proyectando imágenes que, supuestamente, tienen que ver con el drama y que a mí me resultaron incomprensibles.
También se introducen elementos que intentaban representar algún tipo de innovación visual, pero que, en mi opinión, no lograron el efecto buscado porque, en muchas ocasiones, ese efecto no se comprendía.
Innovar en el teatro es muy importante e incluso deseable porque así los clásicos se hacen más comprensibles e incluso atractivos. Sin embargo, esas innovaciones hay que estudiarlas con mucho detenimiento porque pueden producir el efecto contrario.
LAS ACTRICES
El teatro es de los actores y de las actrices y son ellos los que consiguen emocionarte o defraudarte, porque, al final, te quedas con la impronta que han dejado encima del escenario y, en general, las actrices de esta Bernarda representaron bien sus papeles.
Del electo de actrices destacaría a Carmen Cabeza que le dio a la Poncia el protagonismo que tiene en la obra. Nuhr Jojo interpretó a una Martirio que nos dejó con una grata impresión. Lioba Herrera (Angustias), Carmen Hernández (Magdalena) y Sofía Privitera (Adela) representaron sus papeles de forma aceptable.
Me defraudó la interpretación de Soraya González del Rosario que hacía el papel de Bernarda, porque me esperaba una interpretación con más fuerza y con más presencia, faltándole esa proyección dramática que tiene que tener toda Bernarda que se suba al escenario y convertirse en el epicentro de la obra. En más de una ocasión tuve la impresión de ver a una Bernarda que interpretaba a una alcohólica amargada, en vez de a una madre autoritaria que domina a todo y a todos.
LA DIRECCIÓN
Dirigir a siete actrices no es tarea fácil y más, intentar cuadrar esas interpretaciones con la idea que tiene el director sobre el texto de Lorca que es el responsable final del conjunto de la obra.
La propuesta que nos ha ofrecido Severiano García Noda a mí no me ha gustado, porque sencillamente creo que se aleja del objetivo que el autor quería plasmar y que no era otro que el infierno de represión al que estaban sometidas aquellas mujeres.
EL TEXTO
El texto de García Lorca es claro y admite matices, pero estos matices tienen que respetar el texto que escribió el dramaturgo, porque creo que la interpretación del texto que nos propone el director se aleja del drama que se estaba viviendo en la casa de Bernarda.
SINOPSIS
Bernarda es una madre autoritaria con estrictos valores morales. Al morir su marido impone a sus hijas un luto de ocho años, que las obliga a reprimir sus ansias de amor y libertad. Encerradas en las cuatro paredes de su casa, mantienen una hipócrita simulación de armonía, que se verá perturbada por la presencia de un hombre, Pepe El Romano, por el que son capaces de morir y matar. La casa se convierte en una cárcel donde se palpa una atmósfera infernal, una terrible opresión que evoluciona en una especie de manicomio habitado por un nido de víboras. Finalmente, la represión extrema termina en tragedia. La Casa de Bernarda Alba es un canto a la libertad del ser humano.
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Produce: DELIRIUM TEATRO
Dirección: Severiano García Noda
Reparto: Soraya González del Rosario, Carmen Cabeza, Lioba Herrera, Carmen Hernández, Nuhr Jojo, Sofía Privitera y Clara del Rosario Gutiérrez.
Con la colaboración de la Banda Municipal de Música de Las Palmas de Gran Canaria
19 enero 2016
¿Qué he leído? Cabaret Biarritz de José C. Vales
OPINIÓN
Ayer terminé un libro que me ha parecido magistral y ese es Cabaret Biarritz de José C. Vales, premio Nadal 2015, que este caso, acertaron de lleno dándole el premio.
En esta ocasión me dejé llevar por los consejos de Jose Luis Ibáñez Ridao que en su blog Libro y Autor hace una retrospectiva de los mejores libros del 2015 y allí estaba Cabaret Biarritz.
Esta novela es distinta, ya que la novela se va desarrollando a través de las entrevistas que hace Georges Miet, para escribir una novela sobre los trágicos hechos que habían conmocionado quince años antes en la vibrante Biarritz de 1925, en la que aparece el cadáver de una joven de la localidad aparece sujeto a una argolla en el muelle.
Lo bueno de esta novela es que el escritor se mete en la piel de todos y cada uno de los personajes que aparecen en las entrevistas y lo hace de una manera magnífica. Un lujo haber leído esta novela. La recomiendo.
FICHA TÉCNICA
Páginas: 456 págs.
Editorial: Destino
Lengua: CASTELLANO
ISBN: 9788423349289
SINOPSIS
Un auténtico descubrimiento. Una comedia literaria en el Biarritz efervescente de los años 20. Georges Miet escribe por encargo historias populares para la editorial francesa La Fortune, hasta que un día su editor le pide una novela ''seria'' acerca de los trágicos hechos que habían conmocionado quince años antes la vibr ante Biarritz de 1925, durante la temporada estival. Tras una terrible galerna el cadáver de una joven de la localidad aparece sujeto a una argolla en el muelle. Georges Miet se traslada allí y entrevista a una treintena de personas de distintos estratos sociales que de manera más o menos directa estuvieron relacionadas con la joven. A través de los relatos de todos ellos Miet descubre que la policía y el juez quisieron quitarse el caso de encima y que los hechos fueron desveladosgracias a la investigación que llevaron entonces a cabo el periodista Paul Villequeau y el fotógrafo Galet, a la que se unió la magnética y bellísima Beatrix Ross, amor de adolescencia de Villequeau. Novela de investigación, divertidísima, polifónica y extravagante, una obra que esboza através de la indagación de un crimen el retrato de una sociedad en plena agitación, en laque conviven las rígidas normas sociales con la celebración de un momento desenfrenadoy deliciosamente vital.
18 enero 2016
¿Qué he visto? Antígona de Sófocles. Versión de Miguel del Arco
Ayer asistí al último capítulo que nos ofrecía el Teatro de la Ciudad, con la Antígona de Miguel del Arco, un colofón grandioso para este fin de semana de tragedias greco-romanas que nos han dejado más que un buen sabor de boca, que nos viene a decir que los clásicos pueden seguir de moda, si hay detrás un trabajo concienzudo como el que han hecho los profesionales del Teatro de la Ciudad, con el «Edipo Rey» de Alfredo Sanzol, la «Medea» de Andrés Lima y esta «Antígona» de Miguel del Arco.
La versión de la Antígona de Miguel del Arco nos dejó maravillados, en la que la interpretación absoluta tomó el escenario y no se fue hasta que Creonte reclama el oscuro.
Lo he dicho y lo vuelvo a repetir: gracias por hacernos amar el teatro.
LA PUESTA EN ESCENA
Esta vez la puesta en escena es más que sencilla, solo una enorme bola suspendida en el aire que a veces hace de luna llena, otras es una metáfora del peso del estado y en otra representa la cueva en la que es recluida Antígona, rodeado con de multitud de cortinas negras que parecen venir desde cielo y que nos preparan para el drama que se vivirá encima del escenario.
La perfecta combinación de los efectos de sonido con visuales que se proyectan las paredes del escenario y sobre la bola suspendida, acompañan y apoyan la interpretación de los actores.
LOS ACTORES
Los actores estuvieron magníficos, interpretando sus papeles de manera magistral, entregándose a la tarea que les habían encomendado.
Destacan Manuela Paso, que hace de Antígona, dando todo de sí para que nos metamos en el drama que la acecha y del que no puede ni quiere escapar.
Carmen Machi interpreta a Creonte y transforma en un hombre sin escrúpulos que solo quiere aplicar la ley de forma implacable, por encima de todo y de todos.
La Machi no se deja nada y se vuelca en su papel de una manera brutal y maravillosa, demostrando, una vez más, que se siente muy cómoda en los registros dramáticos.
LA DIRECCIÓN
Miguel del Arco ha realizado un trabajo completo, dirigiendo una obra complicada y transformándola para que sea comprensible para los mortales.
Ha sabido combinar la fuerza del texto, del drama, con la capacidad interpretativa del elenco de actores que tenía bajo su dirección, sacando lo mejor de todos ellos y el resultado no podía ser mejor.
EL TEXTO
Miguel del Arco ha sabido escoger la esencia del texto de Sófocles y esa elección la ha trasladado a la escena con un resultado muy interesante que es del gusto del público por lo que se vio en el teatro Cuyás en el día de ayer.
Un texto que le da la palabra a los actores; ellos son los principales protagonistas, porque ellos son el drama de Antígona y de Creonte.
SINOPSIS
"De la suerte que el destino tiene asignada a los mortales, no hay quien pueda evadirse"
Creonte y Antígona. Tío y sobrina. Una muchacha enfrentada a la máxima representación del estado. Un momento de desequilibrio en el que un ser humano «debe aferrarse de la manera más estrecha a sí mismo», atenerse a su identidad con la máxima firmeza.
«Ni Antígona ni Creonte pueden ceder sin falsear su ser esencial. Ambos tienen razón... Ambos creen tenerla. Los dos obcecados en sus respectivos discursos. Sordos en los extremos... Los demás, sobrecogidos, al comprobar "cuán horriblemente fácil es que el ser humano quede reducido a menos de lo que es o transportado a más de lo que es, pues ambos movimientos son igualmente fatales para su identidad y su progreso"»
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Antígona: Manuela Paso
Ismene: Ángela Cremonte
Creonte: Carmen Machi
Corifeo: Santi Marín
Corifeo: Silvia Álvarez
Guardia: José Luis Martínez
Hemón: Raúl Prieto
Tiresias: Cristóbal Suárez
Texto Sófocles
Dirección y versión Miguel del Arco
Música Arnau Vilà
Diseño de escenografía Eduardo Moreno, Alejandro Andújar y Beatriz San Juan
Auxiliar de escenografía Elisa Cano
Diseño de iluminación Juanjo Llorens
Diseño de sonido Sandra Vicente y Enrique Mingo
Diseño de vestuario Beatriz San Juan
Ayudante de vestuario Almudena Bautista
Vídeo Eduardo Moreno
Coreografía Antonio Ruz
Equipo técnico Javier Almela (sonido), Francisco Manuel Ruiz (iluminación) y Juanma Pérez (maquinaria)
Ayudante de dirección Israel Elejalde
Auxiliar de dirección Cynthia Miranda
Diseño de producción Aitor Tejada y Jordi Buxó
Producción ejecutiva Elisa Fernández
Ayudante de producción Léa Béguin
Coordinación técnica Eduardo Moreno y Pau Fullana
Construcción de escenografía Scenik, Cledin, Sfumato, Mekitron, Stonex/ETC
Promoción y comunicación elNorte Comunicación y Cultura
Y los equipos técnico y de gestión del Teatro de La Abadía
17 enero 2016
¿Qué he visto? Medea de Séneca versión de Andrés Lima
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| Fuente: http://teatrodelaciudad.es/espectaculos/medea/ |
El teatro es mágico y por eso me gusta. La magia del directo lo hace único. En el teatro no suele haber segundas oportunidades. Simplemente es presente, no importa el pasado ni tampoco el futuro. El hoy es lo que importa. Andrés Lima lo sabe, sabe que no tendrá otra oportunidad de capturarnos y por eso se deja la piel en cada representación que pone en escena y ayer, en el Teatro Cuyás, lo volvió a hacer con su Medea.
Una versión que, desde los primeros momentos, ya te impresiona, con esa introducción brutal sobre el origen del mundo, con ese pasaje de la cosmogonía de Hesiodo que te deja sin respiración. Parece que nos diga: «Esto solo es el principio. ¿Están ustedes preparados para continuar?»
Porque lo que sigue es una representación que te deja clavado en el asiento y no puedes sino decir: gracias por hacer que ame el teatro.
LA PUESTA EN ESCENA
En el escenario predomina el color negro, porque negro es el corazón y el alma de Medea, el negro es drama y eso es Medea. No puede ser otra cosa que drama.
A primera vista el escenario es sencillo, cuatro sillas negras, un contrabajo y rodeado de grandes cortinas también negras. Sin embargo, esa sencillez solo es una apariencia momentánea, porque a medida que avanza la representación, esa sencillez se va transformando, adaptándose a los requerimientos del espectáculo. Así se utilizan multitud de elementos multimedia, como la música y el vídeo, para apoyar a las escenas en todos los sentidos y ese efecto se consigue, porque sencillamente el escenario nos atrapa y se convierte en un actor invisible, pero que sabemos que está ahí porque nos envuelve sin darnos cuenta.
La puesta en escena es el todo o nada y en este caso, el resultado es memorable.
LOS ACTORES
Decir que los actores estuvieron a la altura de esta representación es no hacerles justicia, porque sencillamente no solo estuvieron a la altura, sino que se entregaron en cuerpo y alma a representar sus papeles de forma magistral.
Las actrices Laura Galán y Joana Gomila, Nodriz y Corifea, sacan de sí todo lo que les ha pedido el director y acompañan a la Medea de Aitana Sánchez-Gijón sin dejarse nada en el tintero. Andrés Lima se desdobla en el escenario y representa a Corifeo, Creonte y Jasón de una forma más que aceptable.
Hay que destacar, sin dudarlo, el papel de Aitana Sánchez-Gijón que borda su personaje, con una interpretación extraordinaria, con un registro dramático que pocas veces hemos visto en esta actriz. Se mete tanto en el papel de Medea que nos olvidamos de Aitana y nos quedamos con esa mujer atormentada por el amor, que es capaz de las mayores atrocidades. Medea nos grita desde el escenario que ella es Medea y sin lugar a ninguna duda, nos lo creímos. Ayer vimos a Medea.
LA DIRECCIÓN
Andrés Lima ha arriesgado mucho con esta representación de Medea, no solo con el texto, sino también con la puesta en escena, pero lo ha conseguido, y lo ha hecho porque ha sabido cautivar al público con una dirección excelente sin dejar ni un solo cabo suelto.
Andrés Lima sabía cuáles eran sus mimbres y los ha utilizado todos sin excepción, de forma magistral y el resultado es el espectáculo total con el que disfrutamos anoche.
EL TEXTO
Ayer dije que llevar a escena un texto clásico es muy complicado, porque se nos escapan multitud de elementos que desconocemos, que son muy difíciles de llevar a escena y que hoy resultan incomprensibles.
La versión de Andrés Lima de la Medea de Séneca es el esfuerzo intelectual de hacernos llegar de forma compresible la tragedia de la sacerdotisa de Hécate, de forma y manera que nos llegara su pulsión desenfrenada, su locura, su maldad y su psicopatía.
Andrés Lima lo ha conseguido.
SINOPSIS
«Todavía no sabes lo que es llorar, espera a que seas viejo»
Una mujer en plena madurez de su fuerza, inteligencia y belleza que ha hecho lo inenarrable por el amor de un hombre, desgarra su alma para encontrar las palabras que den forma a los hechos que ejecutará para vengarse de ese hombre que ahora le niega su amor. Aitana Sánchez-Gijón rodeada de un coro de niños a los que su pathos le arroga a asesinar.
«No hay mayor dolor que el amor. Dice Medea, dice Séneca. Si esto es así... ¿qué hacer? ¿Acaso no hemos sentido esto alguna vez? Medea es atrevimiento, Medea mete la mano entera en nuestras heridas y nos enfrenta a nuestros terrores, o mejor dicho a nuestros dolores, o mejor dicho: si el dolor es signo de vida, a nuestra vida. Por eso me da miedo Medea y sin embargo no puedo dejar de mirar. Medea, tan contraria a la idea de virtud de Séneca y sin embargo tan atractiva para el autor». Andrés Lima.
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Dirección y versión: Andrés Lima
Música: Jaume Manresa
Diseño Escenografía y Vestuario: Beatriz San Juan
Diseño Iluminación: Valentín Álvarez
Diseño Sonido: Sandra Vicente y Enrique Mingo
Vestuario Beatriz: San Juan
Vídeo: Miquel Àngel Raió
Director Coro: Juan Pablo de Juan y Rennier Piñero
Ayudante Dirección: Laura Ortega
Producción: Joseba Gil
Producción Ejecutiva: Elisa Fernández
Coordinación técnica: Eduardo Moreno y Pau Fullana
Promoción/Comunicación/Fotografías: El Norte S. L.
16 enero 2016
¿Qué he visto? Edipo Rey de Sóflocles. Versión y dirección de Alfredo Sanzol.
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| Fuente: http://teatrodelaciudad.es/fotos |
Ayer fui al teatro Cuyás a ver Edipo Rey de Sóflocles, versión y dirección de Alfredo Sanzol y la producción del Teatro de la Ciudad.
Decir que me encantó de principio a fin, dirección, actores y puesta en escena. Un conjunto perfectamente hilvanado que pone, negro sobre blanco, el trabajo que hay detrás de esta producción de este calibre, porque no es nada fácil llevar a escena un texto clásico y que te deje con la boca abierta. En definitiva, sublime.
Sí, todos los espectadores nos dimos cuenta; detrás de este Edipo hay un trabajo de muchas horas.
Gracias por hacernos disfrutar del teatro.
LA PUESTA EN ESCENA
El escenario lo ocupa una gran mesa iluminada, cubierta con un mantel blanco y arrugado, platos, vasos y cubiertos y por cinco sillas en las que se sentarán los actores. El resto del escenario está totalmente oscuro. Solo vemos la mesa, como una metáfora espacial en que el drama se inicia, se desarrolla y se culmina. La mesa es el escenario, el campo de batalla, donde nadie puede escapar y fuera de sus límites solo hay oscuridad; el abismo inconsciente de Edipo.
Los juegos de luces y la música contribuyen a crear una atmósfera casi angustiosa que nos acompañan durante la obra y potencian la magnitud del drama que, poco a poco, se nos desvela, hasta el zarpazo final.
LOS ACTORES
Sin duda los actores son la columna vertebral de esta obra, del primero al último. Sin ellos esta obra no es lo que es.
Juan Antonio Lumbreras, Natalia Hernández, Paco Déniz, Eva Trancón, Elena González estuvieron mágníficos, a la altura de una producción como la que vimos en el Cuyás.
Interpretaron sus papeles de una manera que rayaba la perfección, nos cogieron por el cuello y nos metieron en el drama que estábamos a punto de vivir. Nos dijeron: «Esto es Edipo Rey, lo demás son milongas.»
Destacar el desdoblamiento interpretativo de las actrices Natalia Hernández, Eva Trancón y Elena González que interpretaron al Coro, Yocasta, Sacerdote, Corifeo, Ismene y a Tiresias.
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| Fuente: http://teatrodelaciudad.es/fotos |
LA DIRECCIÓN
La dirección de Alfredo Sanzol es la que tenía que ser, perfecta, llevado de la mano de ese elenco profesional de actores con el que tiene que ser un lujo trabajar. El director supo lo que quería representar y lo hizo. Fue al grano, al drama de la obra y lo puso en escena. No hay más en Edipo que su drama. Es lo único que nos interesa.
Al salir alguien me comentó que le pareció muy corta la obra. A mí me pareció la duración exacta, ni más ni menos. ¿Para qué más? Yo no quería más. Me sentí más que satisfecho.
EL TEXTO
Tratar de llevar a escena un texto clásico siempre es complicado y más cuando se trata de textos que, hoy por hoy, son muy difíciles de entender, porque hoy estamos muy pegados a la tierra; los dioses y el Olimpo nos quedan muy lejos.
La versión de Alfredo Sanzol del Edipo Rey de Sóflocles es magistral, así de claro, porque ha sabido trasladarnos, de una manera directa y clara, la esencia del texto, respetando lo más importante, el drama inconsciente de Edipo. Los puristas se rasgaran las vestiduras, pero este Edipo nos entrega el drama y eso es, en definitiva, lo que verdaderamente importa.
SINOPSIS (Fuente: http://www.teatroabadia.com/)
"Que mi destino siga su curso, vaya donde vaya"
La necesidad de saber la verdad, el imposible control absoluto del destino, y la búsqueda de su propio origen, arman la historia de un hombre que al investigar un crimen, descubre que él es el asesino de su padre y el amante de su madre, poniendo en cuestión los límites y las posibilidades del entendimiento humano.
«Edipo descubrirá que su grandeza tenía pies de miseria. Que su historia es la del hombre que lo era todo, y en realidad era menos que nada. La historia del hombre que por salvar a la ciudad, se hundió a sí mismo. La historia del hombre que al descubrir la verdad decidió no volver a ver la luz». Alfredo Sanzol
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
PRODUCCIÓN: TEATRO DE LA CIUDAD EN COPRODUCCIÓN CON TEATRO DE LA ABADÍA
REPARTO: NATALIA HERNÁNDEZ, ELENA GONZÁLEZ, EVA TRANCÓN, JUAN ANTONIO LUMBRERAS, PACO DÉNIZ
DIRECCIÓN Y VERSIÓN: ALFREDO SANZOL
MÚSICA: FERNANDO VELÁZQUEZ
DISEÑO ESCENOGRAFÍA: ALEJANDRO ANDÚJAR, EDUARDO MORENO Y BEATRIZ SAN JUAN
DISEÑO DE VESTUARIO: ALEJANDRO ANDÚJAR
REALIZACIÓN DE VESTUARIO: ÁNGEL DOMINGO
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: PEDRO YAGÜE
DISEÑO DE SONIDO: SANDRA VICENTE Y ENRIQUE MINGO
EQUIPO TÉCNICO: JAVIER ALMELA (SONIDO), FRANCISCO MANUEL RUIZ (ILUMINACIÓN), JUANMA PÉREZ (MAQUINARIA)
AYUDANTE DE DIRECCIÓN: PIETRO OLIVERA
PRODUCCIÓN: NADIA CORRAL
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: ELISA FERNÁNDEZ
AYUDANTE DE PRODUCCIÓN: MARIO ÁLVAREZ
COORDINACIÓN TÉCNICA: EDUARDO MORENO Y PAU FULLANA
CONSTRUCCIÓN DE ESCENOGRAFÍA: SCENIK, CLEDIN, SFUMATO, MEKITRON
PROMOCIÓN Y COMUNICACIÓN: ELNORTE COMUNICACIÓN Y CULTURA
06 enero 2016
¿Que he visto? Un enemigo del pueblo de Henrik Ibsen
Ayer vi «Un enemigo del pueblo» de Henrik Ibsen, en concreto la adaptación para TVE que se emitió el 28 de mayo de 1981 en el espacio Estudio 1, que estuvo protagonizada por José Bódalo, Irene Gutiérrez Caba, José Vivó, Francisco Merino, Cristina Higueras, Francisco Melgares, Manuel Zarzo, Amparo Climent y Emilio Mellado con la dirección de Francisco Abad.
Esta obra teatral de Ibsen, publicada el 28 de noviembre de 1883, no puede estar más de actualidad porque nos pone de manifiesto lo difícil que es mantener la verdad hasta el final, cueste lo que cueste y como los poderes fácticos son capaces de hacer lo que sea para defender sus intereses, desacreditando a aquel que se atreve poner en tela de juicio lo establecido.
Una obra que me encantaría ver en un teatro, porque es de esas que te hacen pensar en qué está pasando, que tenemos que actuar y decir lo que pensamos sin tener en cuenta lo que nos pueda ocurrir.
¿Cuántas veces nos guardamos nuestra opinión sobre este o aquel tema porque pensamos que podemos molestar a esta o aquella institución, a este o aquel político?
Ibsen nos alienta a expresarnos con libertad y a defender lo que pensamos hasta sus últimas consecuencias.
En siguiente enlace pueden disfrutar de esta genial obra de teatro:
05 enero 2016
¿Qué he leído? El tiempo de los héroes de Javier Reverte
OPINIÓN
Ayer terminé de leer El tiempo de los héroes de Javier Reverte un novela histórica que cuenta la vida de Juan Guilloto León, más conocido Juan Modesto, que llegó a ser general republicano durante los años de la guerra civil española. Nos describe al protagonista, Juan Modesto, como una persona sencilla, valiente, de fuertes convicciones políticas y personales y leal a la República hasta sus últimas consecuencias.
Con una prosa ágil y sencilla, Reverte nos lleva de la mano por las ciénagas de aquella espantosa guerra civil, haciéndonos un retrato fiel de lo que fue aquella contienda fratricida.
Una novela que hay que leer con tranquilidad y altamente recomendable.
FICHA TÉCNICA
Páginas: 608 págs.
Editorial: PLAZA & JANES
Lengua: CASTELLANO
ISBN: 9788401354724
SINOPSIS
Marzo de 1939. A punto de caer Madrid y tras las derrotas del río Ebro y Cataluña, el ejército republicano se desploma mientras las tropas franquistas avanzan hacia Levante, a la conquista de los últimos bastiones de la II República. En el pueblo de Pretel (Alicante), el gobierno de Juan Negrín y buena parte de los dirigentes del Partido Comunista preparan su salida de España. Y hasta allí llega el general Juan Modesto para organizar, junto con otros jefes militares republicanos, la evacuación del gobierno.
Son los últimos días de la guerra y los recuerdos se agolpan en la mente de Modesto. Por su memoria desfilan los días de su infancia, las alegres jornadas del Madrid que resistía el avance del fascismo, sus amores, los combates del Quinto Regimiento y de las Brigadas Internacionales, todas las batallas que le convertirían en una leyenda: el Jarama, Brunete, Belchite, Teruel, el Ebro, Cataluña... El Juan Modesto de la realidad histórica se convierte, en esta novela, en un personaje que alcanza la dimensión de los guerreros de antaño, de los héroes clásicos.
Toda la épica y la tragedia de la Guerra Civil española en una de las mejores novelas escritas sobre el conflicto.
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